패션과 영화
스크린과 패션: 영화가 세상을 입힐 때
화려함과 반짝임, 그리고 영감으로 가득한 위대한 러브스토리. 영화는 탄생 이래로 패션과 긴밀하고 깊은 관계를 유지해 왔습니다. 대형 스크린 속 의상은 한 시대의 복장 규정을 반영하고, 과거의 옷을 재창조하며, 미래의 옷을 상상하게 하고, 배우들을 아이콘으로 격상시키며, 욕망을 불러일으킵니다!
헐리우드의 황금기 동안 주요 스튜디오의 의상 디자이너들은 전설을 창조했습니다.35회의 오스카 후보에 오르고 가장 많은 상을 받은 Edith Head( Funny Face , The Sting ), Travis Banton( Morocco ), Adrian( Camille , The Women ), Howard Greer( Bringing Up Baby ), Orry-Kelly( An American in Paris ), Helen Rose( Cat on a Hot Tin Roof )는 옷을 입힐 뿐만 아니라 스타들의 실루엣을 형상화하고 조각했으며(Marlene Dietrich, Greta Garbo, Lauren Bacall, Fred Astaire, Cary Grant, Katharine Hepburn, Grace Kelly, Audrey Hepburn, Elizabeth Taylor, Robert Redford...) 스포트라이트의 영원한 빛 속에서 패션과 스타일을 새겼습니다.
프랑스의 주요 패션 하우스가 가장 먼저 스크린에 등장했습니다. 코코 샤넬은 영화 '레글 뒤 쥬' 의 의상을 담당했고, 마르셀 로샤스는 자신의 패션 하우스에 영화 부서( 팔발라스 )를 만들었고, 장 루이는 리타 헤이워드를 '질다'로 만들었습니다.
1950년대와 60년대에 할리우드는 의상 디자이너와 쿠튀리에 간의 이러한 협력 관계를 이어갔습니다. 마를렌 디트리히는 디올( 무대 공포증 )의 의상을 입었고, 로마의 휴일 에서 에디스 헤드는 지방시와 함께 세련되면서도 편안한 우아함을 표현했습니다. 패션은 정체성과 스토리텔링을 위한 매개체가 되었고, 영화는 사회적 변화를 그려냈습니다. 말론 브란도( 더 와일드 원 )와 제임스 딘, 브리짓 바르도( 그리고 신은 여자를 창조했다 ), 제인 버킨( 블로업 )이 등장하면서 청바지와 기성복은 오트 쿠튀르가 더 이상 독점적인 영역이 아님을 의미했습니다.
일부 스타들은 특정 패션 디자이너와 특별한 관계를 유지합니다. 오드리 헵번과 지방시( 티파니에서 아침을 ), 카트린 드뇌브와 이브 생 로랑( 벨 드 주르 )이 그 예입니다. 디자이너가 영화 전체의 의상을 담당하는 것은 아니지만, 스타 한 명(빅토리아 아브릴이 라거펠트 샤넬의 타코네스 레하노 를 입고 등장)에게만 의상을 입힙니다. 때로는 배우가 스타일을 결정하기도 합니다. 다이앤 키튼은 영화 '애니 홀' 에서 자신의 옷장 속 옷, 빈티지 아이템, 그리고 랄프 로렌의 몇 가지 아이템을 조합하여 캐릭터의 스타일을 만드는 데 중요한 역할을 합니다.
1980년대부터 밀레나 카노네로, 다닐로 도나티, 가브리엘라 페스쿠치( 영화 '순수의 시대 ') 등 이탈리아의 위대한 의상 디자이너들과 함께, "메이드 인 이탈리아"의 미학은 주요 해외 영화들의 런웨이를 장식했습니다. 아르마니는 영화 ' 아메리칸 지골로 '에서 리처드 기어에게, 마이클 더글라스는 영화 '원초적 본능' 에서 니노 체루티에게 의상을 입혔습니다.
영화는 이제 패션을 총체적이고 보편적인 예술 형태로 탐구하고 포괄합니다.파코 라반의 미래적 팝 판타지인 바바렐라 부터 장 폴 고티에의 제 5원소 , 에미 와다의 호화로운 의상을 입은 서사시인 란 , 이시오카 에이코의 시각적, 그래픽적, 몽환적인 스타일인 더 폴 , 세네갈 문화에서 영감을 받은 우무 시의 화려하고 연극적이며 상징적인 의상인 하이에나 까지.영화는 쿠튀르의 세계( 팬텀 스레드 ), 그 덧없는 피상성( 프레타포르테 ), 그리고 소비 사회의 과잉과 강박적 흐름( 블링 링 )을 기록하고, 예고하고, 영향을 미치고, 그 자체로 영향을 받으며 무대에 올립니다.
패션은 단순히 보여지는 것이 아니라 연출되고, 확대되고, 때로는 조롱받기도 합니다( 폴리 매구, 주랜더 , 악마는 프라다를 입는다 ). 옷은 언어가 되고, 인물의 성격과 심리 상태를 드러내며( 싱글 맨 ), 사회적 규범에 의문을 제기합니다.
이 두 가지 눈에 보이는 세계는 집단적 상상력을 키우고, 우리의 꿈과 욕망을 가지고 놀아납니다. 우리는 어떻게 이것에 저항할 수 있을까요?
무닥과 함께하는 패션과 영화
로잔에 있는 주 현대 디자인 및 응용 미술 박물관인 무닥(Mudac)은 "괴물들. 케빈 제르마니에의 백지 상태"와 "시간 여행. 고쉬카 마쿠가 x 그레이슨 페리 x 메리 톰스"라는 전시회를 통해 패션과 섬유에 대한 시즌을 바칩니다.
오트 쿠튀르에 입성한 최초의 스위스 현대 디자이너 케빈 제르마니에가 무닥(mudac)과 협업하여 패션, 지속가능성, 그리고 혁신을 결합한 몰입형 전시를 선보입니다. 상징적인 의상, 독창적인 오브제, 그리고 소재에 대한 세심한 배려가 어우러진 대담한 세계는 더욱 책임감 있는 패션에 대한 희망을 제시합니다.
이와 동시에 무닥과 톰스 파울리 재단은 벽걸이 태피스트리를 정치·사회적 선언문으로 활용하는 전시를 선보입니다. 톰스 컬렉션의 걸작들과 고슈카 마쿠가와 그레이슨 페리의 현대 작품 사이에서, 대부분 기념비적인 크기를 자랑하는 전시 태피스트리들은 선전 도구로서 태피스트리라는 매체에 대한 독특한 관점을 제시합니다.
패션과 영화 사이클을 시작하기 위해 스위스 영화 아카이브는 무닥과 협력하여 카피톨에서 로버트 알트만의 프레타포르테 (1994)를 상영하는 저녁 행사를 제공합니다.
70mm의 "팬텀 스레드"
화려한 70mm 포맷이 <팬텀 스레드>와 함께 캐피톨 극장으로 돌아옵니다. 35mm로 촬영된 이 영화는 폴 토마스 앤더슨 감독의 지칠 줄 모르는 미적 감각의 결실입니다. 대부분의 시대극에서 볼 수 있는 매끄럽고 깔끔한 느낌을 거부한 앤더슨 감독은 영상의 질감과 입자를 강화하여 유기적이고 섬세한 결과물을 만들어냈고, 70mm 확대 촬영을 통해 더욱 빛을 발했습니다. 이 원초적인 보석은 1월 31일 토요일 단독 상영을 통해 그 진가를 확인할 수 있습니다.
예비 프로그램: 스위스 패션
패션과 영화 시리즈의 특정 상영에 앞서, 스위스 필름 아카이브는 기관 아카이브의 작은 보석들로 구성된 단편 사전 프로그램을 제공합니다. 복원된 이 영화들은 모두 스위스 패션을 다루고 있으며, 스위스 필름 저널(Swiss Film Journal)의 주제인 < 취리히: 제2회 스위스 패션 위크(Zurich: Second Swiss Fashion Week )>(1943), <패션(Fashion )>(1953), < 장크트갈렌 극장의 스위스 패션(Swiss Fashion at the St. Gallen Theatre )>(1969)과 1920년대 무성 단편 영화인 < 완결편(Completes)>과 <봄옷(Clothes for Spring)> , < 패션 골목(Fashion Alley)> , < 아동 패션(Children's Fashion)> , <에 멜카 위크(Emelka Week) > 등이 있습니다.